Formas claramente definidas y una iluminación delimitada en las que el escenario principal es la arquitectura urbana. Aunque los escenarios representados van desde vestíbulos de hoteles hasta la intimidad del hogar, todos comparten una característica común: la ausencia de figuras humanas.
En el mundo moderno el individualismo y el consumismo se han vuelto los valores principales, la prosperidad y la privacidad se han convertido en las promesas de la sociedad contemporánea. La elección de Taylor de centrarse en espacios desocupados funcionan como una metáfora visual al sentimiento de soledad que producen estas grandes ciudades.
En el interior de los espacios se encuentra distintos objetos que van desde computadoras, dispositivos móviles hasta productos de consumo, esta elección no es accidental, pues incorpora elementos del arte pop para exponer la manera en la que la tecnología y la adquisición de bienes materiales puede llevarnos a una sensación de vacío emocional y aislamiento. Las ventanas en estos lugares a menudo nos conducen a paisajes naturales y otras ocasiones los paisajes son sustituidos por edificios que nos indican que en nuestro trayecto hacia la urbanización y el progreso, algo importante hemos perdido.
En última instancia, las pinturas de Charlie Haydn Taylor son una crónica conmovedora de la soledad que a menudo se experimenta en las grandes ciudades y de cómo el consumismo puede exacerbar esta sensación. Sus obras nos desafían a considerar lo que realmente da significado a nuestras vidas y nos invitan a buscar conexiones auténticas en un mundo que a veces parece estar obsesionado con la acumulación de posesiones materiales. En ellas, encontramos una llamada a la reflexión y una invitación a reevaluar nuestras prioridades en una sociedad que a menudo parece estar perdiendo el equilibrio entre el deseo de adquirir y la necesidad de conectar con los demás.
¿Puedes describir tu estilo artístico y cómo ha evolucionado a lo largo de los años?
Probablemente clasificaría mi estilo como parte del movimiento pop art ya que toca la vida cotidiana así como las ideas del consumismo. En mi obra este es el caso desde que tengo memoria creando arte y es realmente donde radica mi interés. Hay algo fascinante en la manera en la que romantizamos lo cotidiano inmortalizando momentos a través de la práctica artística. Los momentos simples y cotidianos pueden tener un impacto en el espectador por medio de su identificación.
Visualmente y en la practica los medios que uso se han ampliado a lo largo de los años. Inicialmente comencé como artista de collage, trabajando digitalmente para crear mi trabajo. Esto ha evolucionado a lo largo de los años para incorporar pintura y ocasionalmente otros materiales como tela. Esto me ha permitido jugar más con la perspectiva mientras continuo con mi combinación de colores de bloques gráficos junto con el collage fotográfico, creando escenarios únicos.
¿Cuál es tu proceso creativo desde la contextualización hasta la producción?
Debido a que mi trabajo tiende a centrarse en momentos cotidianos, mi práctica comienza siendo consciente de las cosas que suceden a mi alrededor. A veces esto es tan básico como detectar cómo entra la luz por una ventana mientras camino por Londres, pero también puede ser observar estilos de arquitectura interior si estoy en un edificio público o en la casa de alguien.
Entonces la fotografía se convierte en una herramienta muy útil para mí, que en esta etapa prefiero sobre el bosquejo. Significa que puedo crear un catálogo de inspiración y luego combinar características desde distintos puntos de interés, desde características arquitectónicas hasta sombras y disposiciones arreglos de objetos.
Luego empiezo a crear directamente en Photoshop, que uso como herramienta para realizar collages en mis fotografías y formar una base para la estructura arquitectónica que estoy creando. Una vez decididos los colores, los distintos elementos fotográficos se imprimen directamente sobre lienzo y luego pinto para formar el espacio que los rodea.
¿Tienes algún tema recurrente en tu obra de arte? Si es así, ¿qué te atrae de él?
El tema general de mi trabajo se centra en el aislamiento, la soledad y la reclusión en nuestra sociedad contemporánea. Creo que esto es algo que sentí al crecer en una comunidad pequeña y luego mudarme a una ciudad importante. Nací en Jersey, Islas del Canal, una pequeña isla de alrededor de 100.000 habitantes y me mudé a Londres a los 18 años para estudiar mi licenciatura. El hecho de que existan tantas personas por conocer definitivamente tuvo un impacto en la forma en la que me relacionaba. Existe una extraña paradoja en torno a las grandes ciudades: se sienten como los lugares más solitarios. Es por eso que aparecen muchos paisajes urbanos en el fondo de mi obra.
El consumismo es algo que creo que añade más a esta idea y es por eso que verás aparecer cosas en mi trabajo como productos tecnológicos, teléfonos, computadoras portátiles, etc. Siento que en esta sociedad actual, la naturaleza veloz de las cosas, ya sean culturales, tecnológicas o social,se suma al aislamiento general que siente la gente. Warhol estaba obsesionado con la cultura pop producida en masa y de ritmo rápido, ¡y era el más solitario de todos nosotros!
¿Cómo te mantienes motivado e inspirado como artista, especialmente durante períodos de bloqueo creativo o en lo que dudas de ti mismo?
No lo fuerces. Siempre me lleva a sentirme frustrado y a empezar una nueva pieza. Si sales a caminar o incluso a tomar una cerveza, volverás con ojos frescos y podrás trabajar en una pieza de una manera nueva. A veces todos necesitamos un descanso de las cosas, especialmente si intentamos forzar la creatividad. Así que tal vez salir y emborracharte un poco, podría hacerte algún bien (no todo el tiempo).
Además, vuelve a estar atento al hacer las cosas cotidianas. Puedes resolver un problema utilizando la inspiración que te rodea en cualquier momento del día.
¿Hay algún motivo por el que la arquitectura de interiores sea un tema recurrente en tu obra?
Siempre me ha interesado la arquitectura y creo que mi historia con el diseño gráfico me acercó específicamente a la arquitectura moderna. Las líneas rectas y nítidas que forman la base de la arquitectura moderna son algo que siempre ha sido un atractivo visual para mí. También me llevó a interesarme por el movimiento Bauhaus, donde se fusionaban el arte y la arquitectura en un solo género.
Además de las razones visuales, los interiores me interesan porque son los espacios privados que todos habitamos y, por lo tanto, es donde tenemos nuestros momentos y pensamientos más íntimos Hay una poderosa idealización en esto. Solos, en la intimidad de nuestros hogares, lejos de la mirada atenta de los demás, somos verdaderamente nosotros mismos.
La mayoría de tus pinturas tienen vistas al horizonte de la ciudad, algunas incluso parecen algo futuristas, ¿por qué?
Mencioné anteriormente que me mudé de una pequeña isla (Jersey) a Londres, que ahora considero mi hogar. Muchos de los momentos de aislamiento que he sentido han llegado desde que viví en una ciudad importante y puede parecer que el mundo avanza a gran velocidad.Cada uno está en su propio mundo y tiene sus propias vidas e historias que contar en medio del caos. Por eso me encanta contrastar los interiores tranquilos y apartados con las luces brillantes de la ciudad, resaltando la sensación de soledad entre la multitud.
Hemos notado ciertas similitudes entre tu trabajo y el de Edward Hopper, ¿cuál es tu opinión al respecto?
Curiosamente, alguien me describió el otro día como un “millenial Hopper”. Creo que es sólo que compartimos sensibilidades similares en lo que respecta a nuestra visión del mundo. Hopper era un verdadero maestro en el uso del color para crear luces y sombras y esto daba a sus pinturas una sensación real no sólo de aislamiento, lo que hacía normalmente presentando a una persona singular, sino que también le otorgaba a la obra de un sentimiento de contemplación, una serenidad entre caos de la ciudad. A Hopper nunca le gustó admitir que se trataba de un comentario intencionado sobre la soledad de la vida, y en particular la vida en Nueva York. Aunque siempre sentí que era una manera intencional de decir “si eso es lo que obtienes del trabajo, entonces supongo que debe ser así, ya que solo estoy pintando lo que veo”. No es una cita directa, pero esa es mi interpretación.
Hay temas que he incorporado a mi trabajo que llevan esta idea más allá a nuestra sociedad actual. Ideas como cómo el consumismo y la tecnología han contribuido a aumentar la soledad y el aislamiento que siente la gente de hoy. Siento que mi uso del medio digital tiene una especie de referencia a la naturaleza acelerada de la sociedad y el consumismo, ya que es un proceso que puede reproducirse rápida y repetitivamente, como ocurre con muchas cosas hoy en día. Supongo que eso es un poco warholiano
¿Puedes hablarnos de algún próximo proyecto o exposición que debería entusiasmar a nuestros lectores?
Sí, mi próxima exposición es una exposición individual que se llevará a cabo en Beijing con Streams Gallery y se titulará “No Man is an Island”, y se inaugurará el 25 de agosto. Contará con 15 obras nuevas y también incluirá una animación que se reproducirá en su propia sala de proyectores.
